Arte y Moda Urbana.

Tatos, piercing, y Grafitis.

El tatuaje, piercing, y grafitis representan diferentes cosas para cada persona.

El Tatuaje: el tatuaje según el diccionario, es una transformación del color de la piel, creando un dibujo, figura textos elaborado con tinta o algún otro tinte bajo la epidermis.

trabajador de henrry

El motivo por el cual una persona se tatúa varia, para algunos puede tener distinto significado como por ejemplo alguien se tatúa de algún evento importante de su vida, algo que lo identifique con su país, el nombre de algún ser querido etc. “palabras del tatuador, Henry Romero”.

Henry Moreno.

Muchas veces desconocemos las diferentes culturas del mundo, se dice que el piercing tanto como el tatuaje era utilizado como rito o señal de pertenencia a una tribu, opinión muy diferente a la de hoy, ya que las personas que andan tatuajes o piercing son discriminadas, les cuesta conseguir empleo, o en muchas ocasiones donar sangre. En Fin son muchos los problemas o discriminaciones que estas personas sufren ya que es un hecho, hay tatuajes que no se quitan y piercing que dejan marcas.” En Nuestro país, las diferentes autoridades casi nunca saben diferenciar los tipos de tatuaje, ya que todo lo relacionan con pandillas y no como un arte” palabras de Carlos Vásquez (tatuado).

Según Henry, en su negocio que es San Miguel Ink, pueden tatuarse y donar sangre sin ningún problema, esto se debe al tipo de materiales que el utiliza al momento de hacer un tatuaje.

El Grafiti, el grafiti es una especie de tatuaje solo que en las paredes, es una forma donde jóvenes con talento muestran de modo subliminal espacios en la sociedad, aunque también hay grafitis positivos como los que hace Cristian Quiñones.

Cris Quiñonez.

Cris es un joven de 21 años, y con spray, brochas, pinceles, algodón y mucha imaginación empezó a dibujar “Para Dios”, él publica en diferentes muros de la ciudad de San Miguel dibujos con mensajes Cristianos.

Jonathan, es otro joven que grafita junto con otros compañeros más, ellos piensan que es una forma de no sentirse discriminados, ni ser vistos como vándalos. “Nosotros no somos delincuentes, únicamente pintamos lo que nos nace del corazón”, fueron las palabras de Jonathan.

Ellos mencionaban también que pintan un poco de todo, su principal objetivo es superarse a sí mismos, ver hasta dónde llega su creatividad al momento de pintar en una pared o en papel. En cambio hay grafiteros que si son delincuentes, estos buscan los más insignificantes espacios para dejar plasmados los nombres o símbolos de las clicas a las que pertenecen, es por ello que las personas que no saben de este tipo de arte lo vinculan con los delincuentes.

Los grafiteros tienes sus propias normas, como por ejemplo un grafitti realizado con firma del autor no puede ser borrada o tachada para grafitar otro en su lugar.

En conclusión se podría decir que este tipo de tendencias se vinculan con cierta moda, hay personas que simplemente lo hacen porque les gusta, y es una manera de expresarse como ya mencione anteriormente. Es necesario ser responsables con las decisiones que van a tomar al momento de tatuarse, ponerse piercing con distintos significados en diferentes partes del cuerpo o incluso grafitar, y estas personas que lo hacen por amor al arte, luchan por no ser juzgadas mal.

Pink Floyd - the walls

Artes.

Antes de analizar las artes, me gustaría mencionar que la película tiene muchas cosas que analizar, la perspectiva que tiene Pink Floyd de su familia depende mucho de los roles que desempeñan cada uno de ellos, que de alguna manera se enlazan para formar en él una realidad totalmente distante a la de los demás.

En el video The Wall, podemos observar diferentes tipos de artes, que generalmente inician en la edad contemporánea a la actualidad, hay que entender la película y cada una de las artes para saber clasificarlas, podemos observar en la película el futurismo, lo vemos plasmado al inicio de la película, cuando la señora trata de entrar al cuarto a hacer la limpieza, a el personaje se le viene a la mente lo que ocurrirá, vemos la puerta vieja y con cadenas, nos da a entender que tuvo una madre sobreprotectora.

El dadaísmo, lo podemos observar al momento que se le vienen los recuerdos de su padre, y los desastres que causo la guerra, la guerra lo afecta ya que su padre muere en ella.

El surrealismo, podría ser el momento de la piscina, ya que el protagonista trata de salir de sus problemas pero no puede, se siente ahogado, asfixiado, por los recuerdos que en ese momento se le vienen a la memoria.

El cubismo, la deformación de la realidad en que vive pink, podemos observar como una paloma blanca se convierte en un ave negra que más adelante se transforma en un avión de guerra, mostrando así como el niño bueno cambia y pasa a ser malo.

Casi todo gira en torno a la madre, por ejemplo podemos observar la parte en la que él se siente sin ganas de estar con su esposa, esto debido a las muchas privatizaciones que le dio la madre, observamos como el la echa de menos al momento que se coloca en posición fetal en su cama puedo decir que este seria para mí el primitivismo.

El pop art, lo vemos simbolizado en la parte donde el se pone a hacer o armar una serie de cosas en el piso, vemos como la publicidad se hace notar, como las latas de soda coca cola, los cigarrillos malboro, etc.

Se dice que el expresionismo alemán, tiende a distorsiona las formas, los rasgos, los colores que caracterizan estados de ánimo y además tiende, a medida que evoluciona, a plasmar la realidad subjetiva, entonces la parte de la película que caracterizamos este tipo de arte es donde Pink se viste con la ropa de guerra de su padre y, mientras él se mira en el espejo, hay un rápido corte del joven Pink en el uniforme y que da la apariencia de 2 cosas, la primera que está representándose como el joven que tiene que meterse en un sistema de irse a la guerra y tomar esa responsabilidad por la “patria” como su papa y la otra es la de la que ya se habló antes, tomar una figura del padre, de responsabilidad hacia consigo mismo y hacía con su madre.

De alguna manera se observa que su madre no le pone la atención necesaria ni le menciona por qué los demás niños tienen un padre y él se da cuenta de esto por sí mismo cuando está en el parque. Se observa también un niño muy maduro para su edad y es como que la madre y su situación le hicieron crecer demasiado pronto y se observa también este punto en la escena que entra a la casa y lee el periódico y él sabe que no hay nadie ahí porque su madre no pudo nunca tomar esa posición de padre. Este sería el abstraccionismo, pues el niño tiende a hacer las cosas con mucha libertad a pesar de que su madre está ahí.

Y así poco a poco es cómo podemos ir identificando las artes tales como el up art, supremísimo, constructivismo, expresionismo abstracto, hiperrealismo.


A medida que pasa la obra el personaje va imaginando flashbacks que lo trasladan a cada una de esas épocas de su vida. Todo eso lo llevó a refugiarse emocionalmente para poder sobrevivir, edificando un muro emocional. Cada una de las cosas negativas que le fueron pasando son, "Another Brick in the Wall", "otro ladrillo en la pared", en ese muro emocional.

El renacimiento y sus cuatro mas grandes figuras

El renacimiento es el nombre que recibe un extenso movimiento cultural que se dio principalmente en la Europa occidental, sus principales personajes se hallan en el campo de las artes son:

• Donatello, quien Nació en 1386 en Florencia, siendo hijo de un cardador de lana.

Cuando cumplió 17 años trabajó como ayudante de Lorenzo Ghiberti en la construcción y ornamentación de las puertas de bronce del baptisterio de San Juan de Florencia. Algún tiempo después, también colaboró con Filippo Brunelleschi.

En su carrera artística se pueden observar tres periodos

El primero periodo se extiende hasta 1425, y en él se puede observar la influencia y predominio de la escultura gótica, aunque de igual forma se revelan tendencias clásicas y realistas.

En el segundo periodo que data aproximadamente de (1425-1443) predomina el uso de modelos y principios escultural de la antigüedad clásica.

En su tercer periodo se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el realismo y en el dramatismo de la acción: Los milagros de san Antonio, El Gattamelata y Judith y Holofernes.

Donatello falleció en Florencia el 13 de diciembre de 1466.

• El segundo es Leonardo Da Vincci.

De Leonardo cuenta que nació el 15 de abril de 1452 en Vinci, aldea Toscana en Florencia. Luego en 1567 se traslada a Florencia porque su padre Piero Antonio Da Vinci

recibe un trabajo de notario. Así que se pone a estudiar, pero ve que es lo que más le interesa y se da cuenta que es la técnica de los talleres florentinos. Por lo que entra en unos de los mejores que es el de Verocchio y descubren que su talento es excepcional. Allí los trabajos se hacen en grupo y el primero importante que le encargan es “El Bautismo de Cristo” que lo hace con Verocchio, Lorenzo di Credi y el.

Para el año de 1476 deja el taller de Verocchio, pero gracias Lorenzo de Médici le recomiendan la “Anunciación” y “Adoración de los Magos”.

Y así una vez más, la vida de Leonardo cambia de improviso. Lorenzo el Magnífico envía a Leonardo a Milán para hacer un trabajo a Ludovico Sforza, llamado el Moro. Sintetizando más el proyecto que tiene que realizar es una gigantesca estatua ecuestre de 7 metros de altura, el llamado coloso del padre del Moro, Francesco Sforza.

Además, Leonardo aparte de ser pintor es también arquitecto e inventor como el intento de volar, excavadoras y muchos castillos.

En 1510 el rey Luis XII presiona a Leonardo a no descuidar su pintura, así que pinta el “Baco”, “San Ana” y la famosísima “Gioconda”.
A principios de 1519 la situación de Leonardo se agrava y el 2 de mayo de ese mismo año muere.

• El tercer genio de la epoca renacentista es Miguel Angel.

De Miguel Ángel se dice que nació el 6 de marzo del 1475 en Caprese. Su padre Ludovico Bounarroti envía a su hijo a una aldea donde se forma con el humanista Francesco Galatea, que le proporciona una base gramatical y literaria.

Y a los cinco años ingresa en el taller de Domenico Ghirlandio en el que empieza a hacer bocetos y dibujos pero estos son tan buenos que le provocan envidia a su maestro así que tiene que dejar el taller.

En 1492 muere Lorenzo el Magnífico y ese mismo año termina el bajorrelieve de “La Batalla de los Centauros” una de sus mejores obras de su juventud.

En 1496, se traslada a Roma, llamado por el cardenal Diario donde el “Torso del Belvedere” le inspira dos esculturas: el “Baco del Bargello” y la “Piedad”

En 1501 Miguel Ángel tiene poco trabajo, y el nuevo gobierno le entrega un gran bloque de mármol con el que confecciona el famoso “David”.

Tras viaje a Roma, Miguel Ángel también trabaja para Agnolo Doni al que pinta una Sagrada Familia con un san Juan niño (el “Tondo Doni”)

El papa Julio II le pide a Miguel Ángel que pinte los 12 apóstoles en la bóveda de la capilla Sixtina y en 1508 empieza con los bocetos y en agosto de ese año hace trasladar el andamio bajo la bóveda. Durante un año trabaja sin parar en la bóveda pero surgen imprevistos y hasta 1511 no sigue con ella. Y en 1534 lo vuelven a llamar para pintar los muros que están detrás del altar en los que va a representar el juicio final. En 1540 está terminado y es cuando empieza los escándalos por los desnudos de su obra.
Muere el 18 de febrero de 1564 con sus 80 años de edad.

• Rafael de Urbino es el siguiente.

-Rafael de Urbino nació el 6 de abril de 1483 en Urbino. Su padre, Giovanni di Sante di Pietro es pintor y poeta aunque mediocre pero que fue el primer maestro de Rafael.

En 1494 muere su padre y entra como aprendiz en un taller de Perugia, donde poco después se convierte en niño prodigio. Allí pinta la “Crucifixión” y “Los desposorios de la Virgen” en los años 1503-1504. Dos años después pinta un retrato a Agnolo Doni.

En 1511, la estancia en la Signatura (biblioteca de Julio II) hizo los frescos de “La disputa del sacramento”, de “Las virtudes” y de “El Parnaso”. Rafael hizo también un homenaje a Miguel Ángel porque le gustó mucho la bóveda de la capilla Sixtina, el homenaje consiste en un fresco llamado “La escuela de Atenas” en el que el personaje principal es Platón, pero con cara de Miguel Ángel.


Tanto trabajo acaba afectando a la salud de Rafael, que en 1520 muere la noche de viernes Santo, el mismo día en el que había nacido, 37 años antes.

El Renacimiento es el resultado de un interés por el pasado grecorromano, con este se pretendía volver a dar vida a los ideales que habían inspirado a aquellos pueblos.

Es por ello que genios del Renacimiento trabajaron con mucho entusiasmo en estudiar las obras de la antigüedad, explorando ruinas, desenterrando manuscritos y recuperando valiosas documentaciones

lo feo y lo bello desde el hombre de Vitruvio y el Bosco

Para la época del renacimiento en el siglo XV Leonardo Da Vinci proporciono los parámetros del hombre perfecto o como debería de ser el hombre perfecto con sus simetrías a la medida y cada una exactas de las otras. Este hombre o esta figura a la cual Leonardo Da Vinci llamo el hombre perfecto es mejor conocido como el hombre de Vitruvio la figura representa una figura masculina desnuda. 

Entre algunas de las porciones y medidas del hombre perfecto esta las siguientes.

El rostro, desde la barbilla hasta la parte más alta de la frente, donde están las raíces del pelo, mide una décima parte de la altura total.

La palma de la mano, desde la muñeca hasta el extremo del dedo medio, mide exactamente lo mismo.

Del mentón hasta la base de la nariz, mide una tercera parte del rostro.

El pie equivale a un sexto de la altura del cuerpo.

La figura circular trazada sobre el cuerpo humano nos posibilita el lograr también un cuadrado: si se mide desde la planta de los pies hasta la coronilla, la medida resultante será la misma que se da entre las puntas de los dedos con los brazos extendidos.

Están son algunas de las características que debería cumplir según Leonardo da vinci para ser el hombre perfecto todo esto regido por los textos arquitectónicos de Vitruvio.

Para esta misma era como es costumbre siempre de existir una contra parte y para el año de 1450 el Bosco comienza a pintar algo totalmente distinto a lo que Leonardo Da Vinci había hecho creer porque si Leonardo con su figura del hombre perfecto quiso crear la belleza, el Bosco con una de sus pinturas llamadas Epifanía, comienza a demostrar que lo feo también puede ser atractivo a la vista. El Bosco tratando de lograr una contra parte a la belleza, consigue con su estilo una originalidad con sus toques pastel en sus obras con un toque psicológico y con una corriente surrealista el cual causo éxito en su época.

Pero lo que se trató de distinguir en estas obras y en estas corrientes fue lo feo y lo bello por una parte Leonardo Da Vinci con el hombre perfecto y por otra parte el Bosco que de una manera u otra demostrando lo feo de una manera diferente. En cambio en la filosofía el concepto de belleza de define como parte de la estética y esta estética como resultado de la naturaleza.

Y la belleza en si resta o depende desde el punto de vista que cada individuo quiera verlo resta de la luminosidad del estereotipo y del estado de animo de cada individuo , así como también belleza se describe como sencillez y no una imagen sobre cargada que distraiga tu atención de lo que en verdad interesa. Desde ese punto de vista se distinguirá entre lo que es “bello” y lo que es “sublime”, siendo esto último la máxima expresión que puede alcanzar la belleza.

Estetica y belleza segun la pintura "el David" , y la Ultima cena

Conocemos que en la antigüedad era el hombre el ejemplar de la belleza.

Avanzando un poco más en la historia, puedo decir que se llega a la cultura griega en donde el icono de la belleza está manifestado en la Venus de Milo esto es en el siglo II a. de C. Y es de esta manera como la mujer comienza a ser el símbolo de la belleza En cambio, El David de Miguel Ángel simbolizó la belleza masculina en la cultura romana del renacimiento.

El David: entre 1501-1504. Se localiza actualmente en la Galería de la Academia, en Florencia, en el año 1947 estuvo ubicada en la Plaza de la Señoría en la misma ciudad, donde hoy en día puede verse una copia. Es una escultura de bulto redondo, de 4,34 metros de altura, hecha en mármol.

La pintura de David Había sido iniciada por Agostino di Duccio cuarenta años antes, pero ningún escultor, hasta Miguel Ángel se había atrevido a trabajar con ella.

Personifica al famoso rey bíblico David, antes de afrontar al gigante Goliat y dominar así al pueblo enemigo de Israel, los filisteos.

Por tanto, podemos encontrar un doble sentido en la escultura; una parte la religiosidad y por otra el político, pues concibe el colosal desnudo como representación de la fortaleza y la ira, símbolos cívicos de las virtudes de la República de Florencia.

En la escultura podemos observar la imagen idealizada del rey como un héroe, pero no surge como vencedor después de la batalla, sino como símbolo. Muestra una de las características más personales del artista, ose traducir la tensión interior del personaje en una tranquila paz aparente. Agrega una dimensión psicológica a la perfección de la figura desnuda.

Recuerda las figuras clásicas de héroes o atletas antes de las competiciones, y simboliza el modelo de belleza masculino a través del detallado desnudo. De nuevo es extraordinaria la maestría del artista esculpiendo el cuerpo humano como algo bello que, como obra divina, no hay que ocultar, pues nada feo hay en él, ni tratándose de un personaje de la historia sagrada, como David.

Se aprecia a la perfección los músculos y las venas del cuerpo, el pelo rizado, las cejas, siendo de nuevo el cuerpo y la belleza física del mismo un medio para transmitir ideas superiores y una belleza de índole espiritual, que nos lleva a admirar al héroe y a imitar sus virtudes.

Fortalece la idea platónica de la belleza asemejada con los valores morales. El arte sirve también para conmover el alma del que lo contempla, para moverle a la reflexión.


La ultima cena

Leonardo dibujó y pintó “La última cena” de Cristo según el patrón de la iglesia y la Biblia.



En la figura a la izquierda de Cristo en la imagen, aparece una mujer. ¿Por qué dibujo Leonardo junto a Cristo esta imagen? La respuesta no la se…

Se sabe que Leonardo la arregló por petición de su tutor, Ludovico Sforza que vivía en Milán. Vemos en el perfil de la Última Cena de Cristo en Miércoles Santo, un día antes de ser juzgado y luego crucificado, reunido por sus doce apóstoles, aunque aparece a la derecha del hijo de Dios, pintada una mujer de largos cabellos dorados. La actitud de Jesús, en el momento de anunciar que ha sido vendido, traicionado por uno de sus apóstoles. Parece ser que por las caras de los discípulos, que la noticia se acababa de anunciar, ya que están todos comentándolo entre ellos.

Muchos de los seguidores y estudiosos de la obra de Leonardo Da Vinci, dijeron que uno de los rostros pintados que sale en dicha escena, es la suya propio, la del pintor, que al parecer, no quiso dejar pasar la ocasión de retratarse como uno de los seguidores de Cristo.

Para este boceto pintado en óleo sobre yeso en gran dimensión (4.60 mts x 880 mts), Leonardo quiso dar testimonio de esta parte del evangelio tan importante para el cristianismo. Esta obra estuvo en el comedor del convento de frailes dominicos de Santa Maria de la Gracia en la ciudad de Milán. Algunos investigadores lo colocan entre 1494 y 1504, por lo que tardaría en realizarlo unos diez años. Aunque otros lo colocarían entre 1488 y 1498.

Por mucho tiempo y a lo largo de los tiempos, esta obra artística del gran Leonardo fue deteriorándose considerablemente por varios motivos, como la humedad, el deterioro del lugar, como en la época de las guerras mundiales acontecidas en Europa. Para el año de 1977 se logra sacar la obra y la llevan a una sala de reconstrucción, primero para su limpieza y posteriormente para poder restaurarla debidamente.

A mendo se exponían obras para dar a conocer al público como era este gran científico y para autoconciencia al mundo de las maravillas que este hombre produjo en aquella época tan fascinante. Muchos museos y centros culturales en los últimos veinte años se han apuntado a diversos exposiciones sobre su figura y obra.

Aztecas

Los aztecas, son sucesores de los mexicanos, fueron un pueblo de cultura náhuatl, el náhuatl siendo el lenguaje más hablado por los aztecas, se expandió por toda la región.

La civilización azteca nació desde el inicio del siglo X su grande esplendor lo consiguió entre los siglos XIV al XVI. Los aztecas no solo desarrollaron la astronomía y el calendario, sino que experimentaron y desarrollaron la meteorología, como un resultado lógico de la aplicación de sus conocimientos para facilitar sus labores agrícolas. 

La influencia de los olmecas sobre la cultura azteca fue muy grande, esto se debía a que ellos Vivian en un tiempo diferente aunque en la misma región, luego de esto el territorio azteca sufrieron varias invasiones de pueblos llegados de América del norte.

La cultura Azteca se fortaleció a partir de las costumbres de las civilizaciones que habían estado antes que ellos, conservaban una agricultura avanzada que servía de apoyo y sustento a una enorme población, edificaron construcciones inmensas de diseños grandiosos y sobresalieron en diferentes ramas del arte.

Los aztecas eran una civilización idólatra, tenían un dios para cada actividad y cada calpulli. Los dioses eran de carácter variable, asociados a colores y con posibilidad de aumentar. De todos estos dioses, el más importante fue Hiutzilopochtli, el dios del sol y la guerra, concebido como un dios oscuro. 


También fueron significativos Tlaloc, dios de la lluvia, y Quetzalcoalt. Éste era un dios antiguo, anterior a los mexicas, del que hay varias versiones. Para algunos era el dios creador del hombre, mientras que para otros fue un dios civilizador. El mito de Quetzalcoalt es muy interesante para entender la reacción de los aztecas ante la llegada de los conquistadores.


Una de las primordiales características que distinguía a la cultura azteca era su afición por los sacrificios. La mitología azteca fundaba que debía alimentarse al sol con sangre humana para darle fuerza y que amaneciera todos los días. Los sacrificios humanos se ejecutaban a gran escala; varios miles de ellos en un mismo día era algo tradicional. Ocasionalmente las víctimas eran decapitadas o despellejadas, arrancándoles el corazón cuando aún estaban vivas. Los sacrificios se llevaban a cabo en lo alto de enormes pirámides, para estar más cerca del sol, por lo que la sangre se derramaba por los escalones. Aunque la economía azteca se basó principalmente en el maíz, pensaban que los cultivos dependían de la provisión frecuente de la sangre de los sacrificios. 

Frescos de Bonampak

Los frescos de Bonampak son murales que están plasmados en las paredes de los lugares en que estaban habitando los mayas, estos pintaban esos murales con el objetivo de representar sus rituales paso a paso, y de esa forma también contaban su historia.

Estos frescos fueron descubiertos aproximadamente en el año de 1946, estaban bien conservados bajo capas de tierra, aunque los restos que quedan de estos frescos sean pocos, estas pinturas de los mayas alcanzaron una gran perfección técnica así como una excelente calidad artística, logrando un difícil pero hermoso equilibrio al momento de contar sus historias ya que estas simulaban la gravedad impuesta en la que vivían los mayas.


Utilizaban tintas planas, es decir la imagen que plasmaban carecían de perspectiva, los mayas supieron crear la ilusión en sus murales la técnica que utilizaban era un tanto sencilla ya que trazaban el dibujo en un color rojo que lo diluían en una capa de yeso después pintaban el fondo o los diferentes espacios que quedaban por rellenar con sus respectivos colores.


No existe otro trabajo relacionado con los mayas que nos acerca a la vida que ellos pasaron con gran detalle como lo hace estos murales de Bonampak, en sus murales son recurso incomparables en la comprensión de la sociedad antigua, donde podemos decir que no existe otras pinturas que nos expresen una compleja visión de la sociedad prehispánica como estas pinturas.